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Le séminaire SublimAE (Le sublime et les expériences esthétiques), lié au projet ANR « SublimAE », se concentrera sur l’étude interdisciplinaire des expériences esthétiques, avec une attention particulière au sublime, en réunissant la philosophie, la psychologie et les sciences sociales. Nous explorerons, d’une part, comment l’expérience du sublime se connecte à d’autres expériences similaires ou opposées (le beau, la beauté terrible, le « awe », l’émerveillement, l’inquiétant, …), et, d’autre part, l’impact de ces expériences, et plus spécifiquement des expériences esthétiques, sur notre représentation du soi. Le séminaire comportera des présentations des participants du projet mais aussi des présentations invitées.
Lieu : Salle de réunion de l’Institut Jean Nicod
Contact : Margherita Arcangeli, Jérôme Dokic
Pour le programme complet, cliquez ici.
1 juin
EHESS, 54 bd Raspail, 75006 Paris, salle/room AS1_08
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Sandra Shapshay (CUNY)
"The Importance of Aesthetics in Controversies over ‘Tainted Monuments’"
5 juin 2023
Contemporary debates between "removalists" and "preservationists" of monuments (Joanna Burch-Brown 2017 ; Helen Frowe 2019 ; Travis Timmerman 2020 ; T. H. Lai 2020 ; Benjamin Cohen Rossi 2020, among many others) tend to focus entirely on the moral and political-philosophical dimensions of these structures. And aestheticians who have turned their attention to these debates have largely treated monuments as akin to speech acts (Nguyen 2019, Liao and Friedell 2022). Thus, these discussions have tended to ignore their status as material works of public commemorative art. As seen through the lens of art, however, some crucial but neglected dimensions of value emerge : aesthetic, artistic, historical, age and sense of place value. In this paper I offer a values-balancing framework for adjudicating monumental controversies and suggest that in some cases these considerations about the works qua artworks are powerful enough to tip the balance toward preservation or removal.
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Sandra Shapshay (CUNY)
“The Generative Monument”
12 juin 2023
In this seminar I trace a narrative of development in the aesthetics of monuments from 18th and 19th c. monuments (typically equestrian or portrait statues) ; to largely abstract “alter-monuments” (Bru, 2021) of the classical avant-gardes (in the early 20th c.) ; through “counter-monuments” (Young, 1992) of the post WW II era, to what I see as the contemporary vanguard of monumental forms, what I call “the generative monument.” I will focus on the most exemplary case of which I am aware, The National Memorial for Peace and Justice in Montgomery, Alabama.
Inaugurated in 2018, The National Memorial for Peace and Justice aims to document and commemorate the more than 4,400 African-American victims of racial terror lynchings from the end of Reconstruction in 1877 through the beginning of the Civil Rights Movement in 1950. Designed by the MASS Design Group in partnership with a private non-profit group called the “Equal Justice Initiative” (EJI), the memorial utilizes innovative formal means and sublime codes in order not just to document, to overwhelm visitors, and to commemorate, but also to generate concrete action aimed to address unjust racial inequalities in U.S. society today.
My thesis is that the generative monument constitutes a novel synthesis of (1) the traditional past-looking aims and aesthetic codes of monuments, and (2) the future-looking, utopian aims of “alter monuments” of the classic avant-garde of the early 20th c. In this way, the generative monument is unlike the counter-monuments of the 1980s-90s—e.g. the 1986 Monument Against Fascism by Esther Shalev-Gerz and Jochem Gerz—which strove to commemorate while systematically eschewing monumentality. The monumental and generative nature of the National Memorial for Peace and Justice represents a culmination of a narrative of monument development that deserves attention both aesthetically and politically, as a subtle but powerful transformation of extant forms of public, commemorative art.
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Sandra Shapshay (CUNY)
"Why we need more monuments : A case for the ‘reuse strategy’"
19 juin 2023
The discussion surrounding what to do with especially ‘tainted’ monuments—to figures such as Confederate generals, colonialist figures like Cecil Rhodes, or even more generally esteemed figures who nonetheless have checkered human rights histories such as the slave-owning George Washington, the U.S.-expansionist Abraham Lincoln, and the white-paternalizing Theodore Roosevelt—tends to be framed as a choice between removal or preservation. That said, other options in between these stark positions are sometimes floated. There was a proposal in Charlottesville, VA to take the equestrian sculpture of Robert E. Lee off of its pedestal, and to encase it in Lucite bearing testimonials from the enslaved people he owned. This strategy was termed “transfigure in place.” It was not ultimately adopted and the statue has now been removed.
Other strategies such as “retain and explain” or the use of “counter-monuments” have also been suggested and tried. And some have suggested the creation of an alternative statue to a figure, e.g. to replace the one by James Earle Fraser to Teddy Roosevelt outside of the American Museum of Natural History in NYC (Walker 2018).
In this paper I argue that the removal of many tainted monuments simply ‘white washes’ the public space and constitutes a pyrrhic victory for activists who seek removal. Instead, I seek to defend a strategy I term the “reuse strategy” for at least some of these tainted monuments. The idea is to try to preserve the some crucial but neglected dimensions of value of even some tainted monuments—aesthetic, artistic, historical, age and ‘sense of place’ value—by reusing them to foster a monumental dialogue in the public space.
An example of how this has been done implicitly and I believe successfully is the Emancipation Monument to Abraham Lincoln (1876) in Lincoln Park, Washington D.C. In 1974, this was turned 180 degrees to face a new monument erected on the other end of a grassy strip to one of the most important Black educators and civil & women’s rights leaders, Mary McLeod Bethune. With the addition of the Bethune monument, the Emancipation Monument is reused and repurposed to create a rich, monumental conversation. I shall argue, utilizing the case of the Theodore Roosevelt monument that was recently removed from the American Museum of Natural History steps, that this architectural reuse strategy is one that we have good reason to embrace in such cases in order to preserve especially historical and sense of place values, while fostering a monumental dialogue that keeps up with contemporary moral sensibilities and concerns.
Clare Mac Cumhaill (Durham University)
"Love, Form and the Murdochian Sublime"
17 avril 2023
La question est ouverte, à lire quelques uns de ses commentateurs : on a parlé d’une horreur sublime. On tentera d’y répondre en rappelant brièvement les catégories esthétiques dont relève le sublime : le sublime grec (pseudo-Longin) et sa redéfinition au XVIIIème siècle (Burke et Kant). Face à quoi, Bacon impose sa singularité par sa manière de mobiliser la sensibilité du spectateur dans les décennies d’après guerre. Y serviront trois types de documents, en relation avec notre propre expérience de spectateur, et pour préciser la zone de sensibilité que Bacon mobilise. Son vocabulaire, insisté et réélaboré au long de ses entretiens. Trois séries de tableaux grossièrement successives : i) les crucifixions des années 30-40 ; ii) les variations sur le tableau de Vélasquez, portrait du Pape Innocent X, au cours des années 50 ; iii) les portraits, des années 60-80. Enfin, sa profession première de designer et un échange de lettres avec Leiris sur le réalisme.
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Norberto Grzywacz (Loyola University Chicago)
"Same Brains Different Aesthetics"
20 mars 2023, de 15h00 à 17h00, exceptionnellement en ligne seulement
The brain has a network of neural areas dedicated to aesthetic experiences regardless of sensory modalities. Theoretical modeling of this network has revealed complex emergent properties such as phase transitions and symmetric breaking. These properties lead to the emergence of individuality in aesthetic preferences even if different brains have the same surroundings and initial conditions. We have tested these predictions on individuality with behavioral experiments and measurements from art. Our experimental results suggest that individuality and instability of aesthetic preferences are inescapable consequences of how our brains work. We will discuss some implications of these results for both the evolution and the philosophy of aesthetic values.
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Francesca D’Alessandris (Università degli Studi di Modena e Reggio Emilia)
"Children’s experience of the sublime : a pivotal model of its features and markers"
6 mars 2023, de 15h00 à 17h00
Is it possible that children experience something we could judge as the sublime ? Are they provided with the abilities necessary in adults for it ? Could we empirically isolate the relevant aesthetic components distinguishing the sublime from other experiences in children ? Some pivotal conjectures have been elicited to positively answer these questions ; however, this general topic still stands in need of fuller theoretical and empirical insights. My contribution intends to start filling this gap by drawing a philosophical and empirically tractable account of this aesthetic experience in 8-10 years old children. The main aim of this contribution is to propose that indeed children have all the necessary abilities to experience the sublime. Specifically, my purpose is to give a philosophical account of the experience of the sublime in children by identifying on the one hand its plausible components, and on the other hand its markers for future empirical inquiries. Since the sublime itself has positive outcomes in adults, such as pro-social behavior and enhancement of well-being and curiosity, it could be beneficial for children as well. Taking up this challenge may have important implications in the ever-growing field of aesthetic education.
To support my hypothesis, I provide a general definition of the sublime in adults based on modern and contemporary philosophical sources. I then suggest that the same model can be used in children, based a) on the analogy between the sublime in philosophy and the experience of awe studied in psychology b) on pivotal psychology research on awe in children. As a second step, I argue for the possibility that children possess the ability to experience the sublime as a metacognitive aesthetic process involving both positive and negative emotions. Then, I surmise that these arguments can be empirically tested by analyzing time perception as a proxy for aesthetic experiences which we could associate with the sublime. I do this a) by drawing on philosophical theories and empirical psychology research findings that approach-motivating emotion affects time perception b) based on the argument that the sublime can be put under the category of approach-motivating emotional experience.
As a main conclusion, I argue that we can predict children’s time perception to hasten during the experience of the sublime and I suggest some methodologies to verify this in practice
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Claude Imbert (ENS)
"Bacon : sublime ou anti sublime ?"
20 février 2023 de 15h00 à 17h00
La question est ouverte, à lire quelques uns de ses commentateurs : on a parlé d’une horreur sublime. On tentera d’y répondre en rappelant brièvement les catégories esthétiques dont relève le sublime : le sublime grec (pseudo-Longin) et sa redéfinition au XVIIIème siècle (Burke et Kant). Face à quoi, Bacon impose sa singularité par sa manière de mobiliser la sensibilité du spectateur dans les décennies d’après guerre. Y serviront trois types de documents, en relation avec notre propre expérience de spectateur, et pour préciser la zone de sensibilité que Bacon mobilise. Son vocabulaire, insisté et réélaboré au long de ses entretiens. Trois séries de tableaux grossièrement successives : i) les crucifixions des années 30-40 ; ii) les variations sur le tableau de Vélasquez, portrait du Pape Innocent X, au cours des années 50 ; iii) les portraits, des années 60-80. Enfin, sa profession première de designer et un échange de lettres avec Leiris sur le réalisme.
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Pierre Saint-Germier (CNRS, STMS)
"Guernica, les martiens, et nous. Qu’est-ce qui ne va pas avec l’empirisme esthétique ?"
23 janvier 2023 de 15h00 à 17h00
Selon l’empirisme esthétique, seules les caractéristiques des œuvres d’art accessibles à la perception sensorielle peuvent être esthétiquement pertinentes. En d’autres termes, il ne peut pas y avoir de différence esthétique entre deux œuvres sans une différence perceptible. Bien que communément accepté dans les premiers temps de l’esthétique analytique, l’empirisme esthétique a été la cible d’objections classiques fondées sur des expériences de pensée montrant que des œuvres d’art perceptiblement indiscernables peuvent différer sur le plan esthétique, à l’instar des Guernicas de Walton. En particulier, cette littérature exploite trois types de différences entre les œuvres d’art perceptiblement indiscernables qui peuvent expliquer les différences esthétiques : catégoriques (relatives aux catégories d’art waltoniennes), provenantielles (relatives aux circonstances historiques de production) ou génératives (par rapport aux moyens de production). Comme dans toute expérience de pensée philosophique, la fiabilité des intuitions suscitées reste une question empirique que nous abordons ici avec les méthodes de la philosophie expérimentale. Nous rapportons une étude menée pour déterminer si les intuitions suscitées par les expériences de pensée anti-empiricistes sont robustes et, en particulier, identifier quel type de propriété alternatif (catégoriel, provenantiel ou génératif) serait (le cas échéant) plus apte à figurer dans la base d’une thèse de survenance esthétique valide. Nos résultats montrent dans l’ensemble que les intuitions des anti-empiricistes sont beaucoup moins robustes qu’on ne pouvait le penser, en particulier lorsque les évaluations esthétiques sont soigneusement distinguées des jugements de valeur artistique. On spéculera également sur la résistance particulière de la beauté, comme propriété esthétique spécifique (par opposition avec la propriété esthétique d’intensité, par exemple) aux expériences de pensées anti-empiristes, du point de vue d’une conception dualiste ou pluraliste des propriétés esthétiques.
According to aesthetic empiricism, only those characteristics of works of art that are accessible to sensory perception can be aesthetically relevant. In other words, there can be no aesthetic difference between two works without a perceptible difference. Although commonly accepted in the early days of analytic aesthetics, aesthetic empiricism has been targeted by classical objections based on thought experiments showing that perceptually indistinguishable works of art can differ aesthetically (e.g., Walton’s three-dimensional Guernicas). In particular, this literature exploits three types of differences between perceptually indistinguishable works of art that can account for aesthetic differences : categorical (relative to Waltonian categories of art), provenancial (relative to historical circumstances of production), or generative (relative to the means of production). As in any philosophical thought experiment, the reliability of the elicited intuitions remains an empirical question that we approach here with the methods of experimental philosophy. We report on a study conducted to determine whether the intuitions elicited by anti-empiricist thought experiments are robust and, in particular, to identify which alternative property types (categorical, provenantial, or generative) are more likely to figure in the basis of a valid aesthetic supervenience thesis (if any). Overall, our results show that anti-empiricist intuitions are much less robust than one might have thought, especially when aesthetic evaluations are carefully distinguished from artistic value judgments. We will also speculate on the particular resistance of beauty, as a specific aesthetic property (for instance as opposed to the aesthetic property of intensity) to anti-empiricist thought experiments, from the point of view of a dualistic or pluralist conception of aesthetic properties.
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Anatolii Kozlov (IJN/UCL)
"When words don’t fit : on aesthetic sensibility in science"
12 decembre 2022 de 15h00 à 17h00
Recent scholarship on aesthetics in science seems to endorse pluralism at least along one of three dimensions : which aesthetic values are relevant for scientific research (e.g. beauty or sublime) ; which scientific practices can be aesthetic (e.g. experiments, theories, thought experiments) ; what is the possible epistemic import of aesthetics to science (e.g. knowledge or understanding). This gives a rather sophisticated space of possibilities for how aesthetics may operate in science. One way to delineate this complexity is to trace the interaction between values and practices in the actual research. In this paper, I use the emblematic case of matrix mechanics and wave mechanics to investigate the relationship between the aesthetic stance of theoretically minded physicists’ and their epistemic strategy towards the problems of quantum physics. I note the effect of aesthetics on two levels. On the individual level, I distinguish the heuristic role of aesthetics in selecting a favourable research strategy and the contribution of aesthetic sensibility to the use of the chosen strategy. On the interpersonal level, I claim that the plurality of aesthetic values allows scientists to single out their distinct points of attack on the research problem, which may or may not be competing or complementary. Overall, I conclude aesthetics to be a meta-epistemic factor grounded in concrete research practices that contributes to science in an essentially pluralist way.
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Emmanuel Siety (Université Sorbonne Nouvelle)
“Présences du sublime au cinéma”
5 décembre 2022, de 15h00 à 17h00
Il est frappant de constater combien les notions de « plaisir négatif » et d’« horreur délicieuse », employées respectivement par Kant et Burke pour définir l’expérience esthétique paradoxale du « sublime », rendent compte de l’expérience sensible construite par des films explorant des affects spectatoriels situés dans le registre de la peur, du dégoût, de la terreur. Les réflexions sur le sublime proposées par les deux philosophes diffèrent cependant considérablement l’une de l’autre, et l’on sait aussi que Kant distingue le sublime « dynamique » et le sublime « mathématique ». On tentera d’explorer le spectre des formes filmiques, attendues et moins attendues, susceptibles d’être éclairées par une confrontation avec ces multiples acceptions du « sublime »
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Norberto Grzywacz (Loyola University Chicago)
"Same Brains Different Aesthetics"
28 novembre 2022 de 15h00 à 17h00
The brain has a network of neural areas dedicated to aesthetic experiences regardless of sensory modalities. Theoretical modeling of this network has revealed complex emergent properties such as phase transitions and symmetric breaking. These properties lead to the emergence of individuality in aesthetic preferences even if different brains have the same surroundings and initial conditions. We have tested these predictions on individuality with behavioral experiments and measurements from art. Our experimental results suggest that individuality and instability of aesthetic preferences are inescapable consequences of how our brains work. We will discuss some implications of these results for both the evolution and the philosophy of aesthetic values.
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Elzė Sigutė Mikalonytė (Vilnius University)
"The Folk Concept of Art"
7 novembre 2022 de 15h00 à 17h00
Many different answers have been proposed to the question of how we should define art. These proposals can be put into two categories : essentialist and cluster accounts of art. From among the considerable variety of essentialist views, three accounts have proven particularly influential : the intentional-historical account, the aesthetic account, and the institutional account. Our empirical study aimed to explore to what extent each of these three factors – (1) the object being created intentionally, (2) having aesthetic value, and (3) being institutionally recognized, are important in the folk concept of art. We tested (Q1) whether any of the three features constitute necessary and/or sufficient properties for something being art, and (Q2) whether the folk concept of art is essentialist or a cluster concept. Our results suggest that none of the three properties are seen as necessary. Beauty and intentionality were both seen as sufficient for an object to be considered art, while institutional recognition was clearly the least important feature of art. The folk concept of art might be a cluster concept : only in the absence of all factors participants were not willing to ascribe art status to the object.
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Tomas Koblizek (Department of Analytic Philosophy, Institute of Philosophy, CAS, Prague)
“La pénétration affective : Un facteur clé dans les attitudes de rejet à l’égard de l’art contemporain”
17 octobre 2022, de 15h00 à 17h00
En septembre 2017, une manifestation a eu lieu à New York contre l’œuvre des artistes chinois Sun Yuan and Peng Yu Dogs That Cannot Touch Each Other (2003) qui devait être exposée peu de temps après au Musée Solomon R. Guggenheim. Cette œuvre qui cherche à critiquer les systèmes de contrôle consiste dans une performance au cours de laquelle des chiens sont placés sur des tapis roulants de manière à ne pouvoir entrer en contact. Les critiques qui se sont fait entendre argumentaient que « ces animaux sont des êtres vivants émotionnellement complexes et hautement intelligents, pas des accessoires » et que « personne ne devrait forcer des êtres sensibles à se mettre dans des situations stressantes pour l’art ou le sport. »
Ce type d’affaires a récemment été discuté dans le cadre du « production-oriented criticism », une nouvelle approche dans la critique éthique de l’art, introduite par Ted Nannicelli. Cette approche se focalise sur la question de savoir à quelles conditions une évaluation éthique de la production de l’œuvre (ici l’utilisation des animaux) peut légitimement conditionner son évaluation artistique (les manifestants s’opposent à l’œuvre tout court). Un type de critique similaire s’applique aux œuvres d’art qui transforment insensiblement le paysage ou qui s’approprient les créations culturelles des minorités.
Dans mon exposé, je proposerai de modifier l’un des principes du « production-oriented criticism ». Actuellement, en effet, toutes les affaires de ce genre sont perçues comme des « affaires cognitives » : les contestations sont considérées comme découlant de la connaissance du contexte de production. Je soutiendrai que cette approche laisse de côté le rôle de la perception et des affects dans ces protestations et réduit ainsi leur complexité. Je défendrai plus exactement l’idée selon laquelle ces protestations ne découlent pas seulement de la connaissance du contexte de production des œuvres, mais aussi de la perception façonnée par l’affect qu’inspire cette connaissance et qui s’étend aux actes perceptifs. Je parlerai donc de la « pénétration affective » de la perception et j’en expliquerai les principales modalités.
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Esteban Buch (EHESS, CRAL)
“Sur les pouvoirs de la musique”
30 Mai, de 15h00 à 17h00
L’idée que la musique a un pouvoir, ou des pouvoirs, est couramment admise depuis des siècles. L’oratorio de Haendel de 1736, Alexander’s Feast, or the Power of Musick, en est un exemple de choix, où l’on entend le musicien Timothée exercer ce pouvoir sur les émotions et le comportement de l’empereur Alexandre le Grand. Cependant, la portée conceptuelle de cette idée reste instable et mal définie, comme on le voit à l’usage contemporain, notamment en sciences cognitives. A partir de la trajectoire de la notion de pouvoir dans l’histoire de la musique, mais aussi dans la tradition philosophique et sociologique, nous nous interrogerons sur sa pertinence actuelle pour parler de musique, et même d’art en général, notamment face à la question du sublime.
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Melanie Wald-Fuhrmann (Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik, Frankfurt am Main)
"Musical epiphanies and their experiential qualities : between revelation and awe"
23 Mai, de 15h00 à 17h00 - EN LIGNE (exceptionnellement sur BBB)
Can feelings of sublimity influence our musical taste ? In this talk, I will present qualitative data on musical epiphanies. We asked people to write an autobiographical report about an encounter with unfamiliar music that changed their taste. A particular focus will lie on how people describe their experience in terms of feelings and responses, the metaphors they use and whether this could be conceptualized within the framework of the sublime
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Ondine Bréaud-Holland (ESAP Monaco)
"Le sublime au risque du cinéma"
11 Avril, de 15h00 à 17h00
C’est en interrogeant le cinéma de Gus Van Sant que l’on se déplacera à l’intérieur du sublime. Car il y a, dans Gerry et Elephant, autant d’occasions d’approuver ce qu’ont déclaré des philosophes majeurs à propos du Sublime, dans des jeux de renvoi intellectuels puissants, (d’Edmund Burke à Mario Costa en passant par Emmanuel Kant et Jean-François Lyotard) que d’occasions de réfuter leur théorie ; et, si l’on veut bien prendre ces films comme des « signifiants » du sublime, il y a autant de cas où les images et les sons pourraient conforter certains énoncés-phares sur cette catégorie esthétique, que de cas où ils la mettraient à l’épreuve dans un fracas sans précédent.
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Lisa Giombini (Università degli Studi Roma Tre)
"La notion de respect dans la conservation de l’art. Entre éthique et esthétique"
4 Avril, de 15h00 à 17h00
International conservation codes of ethics ask practitioners to treat historical objects and old buildings with ‘respect’. What does this mean ? The question has so far received little attention in conservation literature (Paine 2013, Pantazatos 2015). Taking a philosophical stance on the issue, this paper suggests that we cannot grasp how respect delineates ethical obligations for conservation professionals if we do not unearth the sources of these obligations, i.e., what counts as respectful behaviour and to whom respect is owed in the first place. Questioning the widespread understanding of respect as ‘preservation of the object’s integrity’ (Clavir 2002), it proposes to interpret respect as a form of ‘preservation of meaning’ (Goodman 1985, 1991 ; Muñoz Viñas 2005 ; Capdevila-Werning 2013). On this model, respect is directed not to the artifact itself, but to the people that take interest in it, those for whom the object is constitutively valuable.
The argument is structured as follows. I use section 1 to argue that, for respect to have steering force in conservation ethics, its normative sources must be unlocked. In section 2, I discuss some philosophical intricacies of the concept of respect : can we owe moral obligations toward old inanimate things ? In section 3, I examine one first meaning of respect in conservation, namely, preservation of the object’s integrity (either physical, historical, or aesthetic) and show its shortcomings. In section 4, I move on to defend the idea that past objects’ value depends on their being symbols for people, i.e., purveyors of meanings. I conclude by considering some implications of this second notion of respect for conservation.
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Laura Ferreri (Université Lumière Lyon 2)
"Le plaisir musical : bases neurobiologiques et implications cognitives"
21 Mars, de 10h à 12h exceptionnellement
Music represents one of the most pleasurable stimuli throughout our lives. Recent research has shown that musical pleasurable responses rely on the activity of the mesolimbic system, with a main role played by dopaminergic transmission. The knowledge gained from basic science research about music and the reward system is now beginning to be applied to questions of memory and mood enhancement that can eventually lead to exciting new avenues for clinical research. Based on behavioural and neuropharmacological studies, this talk aims to explore and discuss the hypothesis that musical reward (and its enhancement) might drive improvements in both affective responses and higher cognitive functions, and more specifically memory
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Pablo Fontoura & Jean-Marie Schaeffer (EHESS, CRAL)
28 Fevrier, de 15h00 à 17h00
Voir et regarder une œuvre visuelle mimétique est un processus éminemment complexe, d’ordre perceptif, cognitif et appréciatif (du moins lorsque ce regard s’inscrit dans une attitude d’attention esthétique/artistique). D’un côté, l’exploration visuelle des représentations figuratives bidimensionnelles active des capacités visio-mimétiques universelles. De l’autre, la culture et l’histoire informent toujours notre perception, et tout particulièrement le regard que nous portons sur des œuvres d’art. Cette question de l’interaction entre traitement perceptif et catégorisation culturelle se pose évidemment aussi à propos du sublime. Nous nous intéresserons ici à un aspect très spécifique de la question : le rôle (ou l’absence de rôle) de la taille dans l’effet de sublime. Dans les théories du sublime, celui-ci est souvent lié à des références concernant l’immensité, la grandeur (physique ou métaphorique) des phénomènes qui en sont la manifestation. On remarque aussi que la plupart des œuvres visuelles qui sont qualifiées de “sublimes”, sont de grande taille.Or, la taille d’une peinture contraint notre vision de multiples manières. Cela vaut tout particulièrement pour les œuvres dont la taille dépasse celle du spectateur. Est-ce que la vision en contre-plongée (du bas vers le haut) qu’il doit adopter peut influencer son ressenti et en particulier être responsable pour une partie de l’impression de « sublime » ? Ou encore : le fait qu’un tableau de très grande taille nous oblige à changer de distance pour l’embrasser en entier et pour voir les détails, transforme-t-il la dynamique du parcours du regard, voire notre rapport physique avec ce qui est montré, d’une manière telle que se produise un effet de « sublime » ? Pour introduire à cette question nous nous appuierons ici sur une étude de cas : celle du Retable d’Issenheim (1512-1516), de Matthias Grünewald. Ce polyptyque, de très grande taille, et considéré généralement comme une œuvre « sublime », a fait l’objet d’études oculométriques de la part de Pablo Fontoura. Bien que l’enjeu de ces études n’ait pas été la question du sublime (mais plutôt celle de l’interaction entre la matérialité de l’œuvre et ses niveaux iconique et symbolique), certains des faits observés lors de l’enregistrement des parcours des regards des spectateurs ouvrent peut-être la voie à une étude de la relation entre taille des œuvres et effet de « sublime ».
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Carole Talon-Hugon (Sorbonne Université)
“Généalogie de la survenance du concept de sublime au XVIIIème siècle”
31 Janvier, de 15h00 à 17h00
Pourquoi la catégorie de sublime apparaît-elle et occupe-t-elle la place d’un philosophème majeur dans le champ de l’esthétique au XVIIIème siècle ? On soutiendra la thèse selon laquelle l’éclosion de ce concept doit être compris en relation avec le devenir de l’idée de beauté, elle-même affectée par l’aisthétisation qui résulte de l’épistémé de la science moderne. Lorsque les qualités sensibles secondes n’existent plus que pour un sujet humain, le beau n’est plus qu’une propriété relationnelle et perd tout lien avec l’intelligible. Après que le beau s’est installé dans l’immanence, le sublime réintroduit de la verticalité. Instaurant un axe de transcendance à l’intérieur du sensible, il fait signe vers un au-delà du sensible. La survenue du sublime signifie en ce sens la nostalgie d’un absolu auquel l’accès est barré en même temps qu’indiqué.
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